1997-12-31 8:00

iFire

这些文章都是我在《时尚·伊人》杂志开设唱片推荐专栏的时候写的，大部分短评的写作时间已经无法考证，当初只在电脑里留了一份总汇的文档，放在这儿算是个备份。

☆ Radiohead 《Ok Computer》(1997/EMI)

这是Radiohead出道以来的第三张专辑。

93年他们凭着一首《Creep 》冲出另类音乐阵营，成为当年最红的英国乐队；95年推出的《The Bend》拓宽了他们的音乐领域，也进一步确立了在世界摇滚乐坛的地位。在商业上他们没有Oasis 那么火爆，或许这与他们这些人淡泊的性格有关，他们没有把过多的时间浪费在制造新闻上，他们所担心的是新唱片会不会还是老一套。他们将制作唱片的过程搬到了网上，所有关注他们的乐迷都可以从网上得Radiohead在录音棚里都干了些什么。电脑似乎从某种程度上影响着他们的生活，所以他们干脆把新专辑的名字叫做《Ok Computer》。

新专辑刚一上市，英国媒体就大肆对其吹捧，称这是本世纪最伟大的一张另类专辑。姑且不去理会这些或实或虚的评价，真心地聆听这张专辑，你自己的感受才是有意义的。其实在这张专辑里，Radiohead 已经完成了第一次蜕变：即从一支噪声吉它乐队转向多元的现代化乐队。专辑中大量经过处理的吉它与合成器音色编织了一片令人眩目的音乐空间，主唱除了继续不断带来动听的旋律，更是自如地挥洒着他那凄美的嗓音。也许在《Ok Computer 》中我们找不到当年那种热门歌曲，然而Radiohead 所营造的令人难以舍弃的感受却愈发强烈，尤其是在夜深人静的时候，细心体会音乐中泛滥的悲凉，会情不自禁地跟着落入难以抵抗的荒茫梦中。。

☆ Depeche Mode 《Ultra》 (1997/Mute)

高科技在直接影响着音乐技术的革新，电子设备在音乐中的应用使从事创作的人更个人化，更繁琐（或说丰富）。但是做为电子乐队先驱的Depeche Mode却在这个电子时代背道而驰地干起了“真刀真枪”的营生，或许他们已经厌倦了用合成器这种潜力无穷却缺少人气的乐器了，所以他们拿起了吉它，打起了真鼓。

Depeche Mode在早期以新浪潮形象出现时，并没有谁会想到有一天他们会将变得如此冷峻沉重。乐队成员们在这些年里生活状态的转变使他们脱离了曾经的思维方式，开始领悟到生命中的艰辛。从《Violator》到94年的《Songs Of Faith And Devotion》，他们已经成功地完成了电子音乐与摇滚乐的嫁接，到今天的新专辑他们已经熟练的在其间游走自如了。

乐队在推出这张专辑之前，原键盘手离队，主唱又险些自杀，所以今天我们能听到他们新的声音已经不是件容易事，何况他们并没有辜负我们的期待，《Ultra》将Depeche Mode重卷狂澜的坚定信念展现无遗，也为这个电子合成器不断削弱人们力量的年代打了一针强兴剂。

☆ U2 《Pop》 (1997/Island)

凡是对摇滚乐略知一二的人都应该听过U2的大名。从80年的成名专辑《Boy 》到发泄一腔愤慨的《War 》再到获得格兰美奖的《Joshua Tree 》，U2的音乐已经逐步走向精致，而与金牌制作人Brain Eno 的合作使他们的前卫精神在音乐上得到了进一步的体现。

《Pop 》他们成军二十年来推出的第九张专辑了，全盘电子化的声音让我们猛一听以为这不再是U2了：那鼓声、那妖娆的吉它、散碎却厚重的背景，似乎都已经脱离了U2曾经的味道。其实在前两张专辑《Achtung Baby》和《Zooropa》中我们就应该对U2的转变做好了准备，说得夸张一点儿，《Pop 》就象是前面两张专辑嫁接的结晶，那看似迥异的风格，无非是将U2原有的冲动经过了一番修饰而已。这次Eno 并没有更多地参与制作，倒是请来了做环境音乐的Howie B 助阵，意在加强U2音乐上的时代感。

U2其实仍旧是U2，尽管媒界有着不同的评价，他们自己在音乐上的探索从每一张专辑里都能听得出来，难得的是U2至今仍旧好听，我们除了能听到所谓的“时代节奏”，毕竟还能够听到象《Staring At The Sun》这样动人的歌。

☆ Blur 《Blur》 (1997/EMI)

当英国人还在为Oasis 枯燥的音乐陶醉时，乖孩子Blur已经将自己最出色的专辑制作完成了。这张以乐队名字命名的专辑，让我们彻底明白了无论媒体怎样去拿两支当红乐队来炒新闻，甚至拿排行榜上的成绩、唱片销量来压倒对方，最终我们听到的唱片中所记载的音乐成就才是能够留给历史的。Blur丰富的内容、妙趣横生的演唱、奇怪却动听的配器，完全可以让你从始至终地情绪高涨。

没有老调子，没有商业流行曲，整张专辑冲斥着令人兴奋的激情，尤其一首《Song 2》简直让我要重新估计Blur内含的冲劲。Blur出道多年来，虽然趁着Brit Pop红了起来，但是他们并不是那种浮躁得承受不起名利的小家伙，这张同名专辑会让你明白这点。

☆ The Prodigy 《The Fat Of The Land》(1997,Xl)

The Prodigy是当今英国最红的电子Punk乐队之一，厚重跳脱的节奏、狂噪扭曲的吉它、合成器不时展现的动听乐句，构成了令人眩目的音乐天地。他们请来了Rage Against The Machine 乐队的吉它手和Republic的主唱助阵，并在专辑里翻唱了L7的作品。真难以想象，这样一支“个色”的在美国是签在Madonna 创立的独立公司旗下的，而且颇受这位天后的赏识，甚至要请The Prodigy来制作她的下一张专辑（被他们婉言谢绝）。

这张唱片上市之后反响出奇的好，销量更是惊人，以至于给乐队成员造成了极大的心理压力，他们已对外界表示这张专辑将是乐队灌制的最后一张唱片，以后他们只以现场表演的形式继续存在。不知道这是促销策略呢，还是他们真是经不起商业战场的竞争，反正专辑一直高居销量榜首。

在这个电子时代，The Prodigy 将躁动的Punk用舞曲进行了一番包装，不但赢得Punk乐迷对其创造性的认可，而且以多变的节奏、精良的制作博得了跳舞一族的喜爱，这实在是明智之举。在英国，他们虽不是唯一的实践者，但无疑是最出色的乐队之一。

☆ Geneva 《Further》(1997/Nude)

手边关于Geneva的资料并不多，除了从杂志上看到的几百字的介绍，就只有这张冷色调的唱片了。注意他们，是因为他们与Suede 同属于Nude旗下，且曾为Suede 做过现场嘉宾（这或许是公司安排的），最重要的是听说他们的音乐象极了Suede 。拿到唱片之后，才知道他们来得更寒凉、更忧怨。在唱腔上，Geneva没有Suede 那股邪气，旋律上少些流行元素，更多是扑面而来的凄艳和华美。

这支曾经取名为“Sunfish” 的乐队，在签约前经历了多场演出，直到乐队的样带被Nude慧眼识中，才有出版唱片的机会。和大多数乐队一样，他们的经历没什么可说的，倒是应该好好地从音乐里认识、了解他们。Geneva 走的是典型的英式吉它乐队路线，在制作上听得出是颇动了些心思的，乐器的音色经过一些处理，人声更是修饰得光滑如碧。Geneva的吉它手也随着该专辑的推出成为今年英国最受瞩目的乐手。

这是一张会让你沉默的唱片，静静地听，从激情中挣扎出的感伤如潮如风，倾灌至心底。夜色凝固的时候，只有音乐还在流动。

☆ 《Nimord》 (1997/Reprise)

这是Green Day 出道以来的第五张录音室专辑。

加盟华纳下属的Reprise 公司，是他们事业的一个重要的转折：精良的唱片制作、周密的宣传计划、庞大的销售网络，再加上90年代初的朋克复兴浪潮，这使得本身就具有极大潜力的Green Day 不得不红。当初在独立厂牌Look Out! 旗下的两张专辑就充满着典型的美式朋克气质：从重金属那里继承的吉它音色和稹密的Riff，充满想象力的贝斯和凌利如风的鼓击，放肆的唱腔和千万学不得的美哩发音。但正象当年的Ramones 一样，他们除了具备这些朋克的外表和气质，更有朗朗上口的动听旋律。

在九十年代，朋克复兴的浪潮仅仅将某类音乐带来了些形式上的改良，并不象当年是被全面爆发的思想运动逼上梁山的革命。所以，我们今天不再需要那些虚假的呐喊和无力的批判，我们宁愿听听他们这种充满活力和激情，充满个人色彩的音乐。Green Day 用他们简单而冲动的音乐带领我们盲目地挤上一趟不知去向的列车，我们除了瞪圆了眼睛拼命地奔跑，就只有跟着他们大声呼叫。

Green Day 没有回避商业，他们在新的唱片中仍旧坚持着成功专辑《Dookie》中所具有的品质，同时也开始将更多的音乐元素“朋化”之后运用到新的作品之中。《Nimord》比起上一张《Insomniao 》来，要成熟而精彩得多，看来已经他们克服了《Dookie》的成功给他们带来的浮躁。如果你是一个朋克乐迷，你就没有理由错过Green Day 。比起Ash、Supergrass 这些同样在走红的朋克乐队来，Green Day 显得更冲、更直接、更好听。

有人说Green Day 已经脱离了朋克阵营和曾经的Lo-Fi 精神，说商业正在削弱他们原始的冲动。但是我相信，在他们的音乐里没有人能按奈自己的激情，在一阵密不透风的鼓声之后，率真干脆的歌声已经粉碎了那些附庸风雅的伪朋克听众的诽谤。

☆ Suede 《Sci-Fi Lullabies》 (97/Nude)

Suede在这个时候推出这套双张的B面歌曲合集实在是个明智的举动。去年一张《Coming Up》粉碎了乐评界所说的《Dog Man Star》是他们最后的辉煌的预言，同时巩固了超级明星的地位。这套唱片是一个商业成果，同时也为所有喜爱Suede 的人们做了件好事：你不必去费心寻找那些只收在单曲唱片背面和Ep中的歌曲了，你只要拿到这套唱片，就无一漏网了。两张唱片收入的27首歌，没有正式收入过任何专辑，时间跨越数年，吉它手也已更换，但是Suede 特有的凄美和骨子里的邪气始终没有改变。

我听过很象样的B 面歌曲的合集，但如Suede 这般精彩的甚是稀有。这里面收入的并不是些未完成的小样儿，也不是某一次演出的现场实况，而是些制作精良的录音室作品。如果把这套唱片当做一套正式的专辑来听，它丝毫不比Suede以往的大碟逊色。不过这些曲目的次序是严格按照年代编排的，所以就缺少专辑应有的张持交替，而偏于舒缓忧伤。

从装祯上看，唱片公司意在保留《Coming Up》带给人们的鲜亮的黄绿色，而透明的二合一唱片盒更是漂亮，盒内分别有两本内页：其一是所有作品的歌词，另一本上清楚地印着历年推出的单曲唱片封面，并注明了每一首歌选自哪里，是在是详尽得很。

这套唱片的推出，看起来与Suede 并没有太大的关系，或许市场在热销这些来自他们昔日的成果的时候，他们也正在酝酿更新的音乐呢。

☆ Primal Scream 《Vanishing Point》 (1997/Sony)

如果你听只过他们94的专辑《Give Out But Don't Give Up》，你一定难以想象三年后他们的音乐是怎样的。其实这支由前JususAnd Mary Chain的鼓手Bobby Gillespie率领的乐队出道之时就瞄准了电子领域，无论我们怎样评价他们的朝此夕彼，都无法抹煞他们的音乐才华。

94年曾经在根源摇滚领域里驰骋的Primal Scream 终于又重拾多年前所把持的音乐理念：电子舞曲＋迷幻摇滚。不过这次要更出彩，更有层次。整张专辑弥漫着玄晕感，呓语般的唱腔随意地在色彩斑斓的音乐中游离，合成器不断演奏出古怪声音，使我们的听觉倍受牵制。专辑中收录了他们为电影《Trainspotting》所作的主题音乐，一股邪气从中扭着劲儿钻出来，在机械的节拍里埋藏着不安和茫然。而以他们独特方式翻唱的重金属先锋Motorhead的名作《Motorhead》已经面目全非：噪音吉它、经过处理的人声以及急促的节奏和特殊的音效，听来真是过瘾。

Primal Scream 是一群九十年代的英国嘻皮，精良的制作并没有削弱他们那股懒散邋遢的气质，反而染上点贵族化的惆怅。我终于明白Gillespie 当年为什么离开J&Mc了，Reid兄弟对吉它噪音的热衷远胜过对电子音色的探索，而Primal Scream 则可以自由扮演电子嘻皮。

☆ The Verve 《Urban Hymns》 (1997/Hut)

做为90年代Brit Pop的开路先锋，The Verve在95年的解散无疑是一种遗憾。乐队几乎是在巅峰时期激流涌退的，在Brit Pop风光无限的时候，给后起之秀们让开了道路。今天他们重新凑到一起，是因为藕断丝连还是不甘心大好江山被后生小子独霸？听这张唱片的时候为此就有些余悸，不知道该用怎样一种心态去面对。

新专辑中仍是保留着从前的那般优美、华丽和感伤，只是少了一种被我称为“魂儿”的东西。开首的《Bitter Sweet Symphony》是光彩夺目的，皇家风范的弦乐编排倾刻将Verve 复出的雄心壮志展现无遗，但是随后的作品就不免有些平庸了，虽然尚有几首可圈可点，不过份量已难较往昔了。

The Verve 的复出在97年是件大事，虽然比不上戴安娜辞世，却也是被英国媒体大肆炒作的题目。新唱片推出，好评如潮。这大概是由于我们太喜欢过去的Verve ，对他们能重聚一堂怀着太多的感动，以至于无法冷静倾听吧。

☆ Mono 《Formica Blues》(1997/Echo)

Mono是一个完全崭新的名字，即使在英国，人们也只是刚刚从这张唱片里得知这个有着复古情节的电子组合名称。感伤而浪漫的女声，在新式的电子音乐中穿梭不定，稳健的Trip Hop节奏、精致的乐曲编配，似乎是想将某种正在随着时光褪色旧日风情烙上些时代标志。

电子乐在高科技时代浮出水面是绝对顺理成章的，就连两耳不闻天下乐的“乐盲”们也能轻易地跟着一板一眼的节拍摇头晃脑，何况在其中还有你难以抵御的美妙女声在传达动听的旋律。Mono将英式的低调悲歌与时髦的舞曲各取所长地结合在一起，避免了平庸舞曲的单调，也削弱了低调音乐的冷酷。丰富的乐器编制尽数被染上电子气息，华彩如同密林中的鸟鸣时隐时现。

Mono是97年英伦音乐成就中一个闪光点，而单曲《LifeIn Mono》更被各界认为是完美的标志，如果在深夜独自聆赏，会有自怜自哀的情节油然而生，眼泪也会有些不争气地要泛出心来。

☆ Bjork 《Homogenic》(1997/One Little Indian)

如果你不熟悉我上面提到的这几个由女性主宰的乐队的话，那么你至少应该知道Bjork 这个名字，这个来自冰岛的奇女子曾经在96年来北京举办过一场成功的音乐会，虽然门票与出租车的起步费相差无几，但是Bjork 还是为我们上了一课，我记得当时北京的音乐圈几乎倾巢出动，她古怪又新颖的音乐，收放自如的演唱，绝对领导时尚的现代音乐节奏与编制，给我们留下的印象远远超过新闻媒体对她此行的炒作。

Bjork 曾经是冰岛前卫乐队Sugercubes的主唱，进军英国之后签在独立厂牌One Little Indian旗下，后做个人发展，出版过两张专辑和两张混音唱片，这是她与97年秋推出的她的第三张专辑。唱片封套一个不伦不类的异怪女子，音乐也如斯的怪异：惊世骇俗的唱腔、时髦的电子节奏、凛冽的弦乐，加上各路大腕乐手以绝技助阵，实在是叹为听止。

Bjork 虽然是世界级的超级明星，但是她的音乐并不是那种可以当做街头叫卖曲的流行歌，而且渐渐摆脱了以往在装束上的大胆离奇，更多以本色露面，她的走红是一个值得研究的现象，是音乐的绝对领先还是强大而成熟的商业成果？我猜她的唱片也是一个误区，很多乐迷会在其中手足无措，因为在绝对的个性与绝对的炒作夹击下，不诚实的听者已经晕了，诚实的听者也说不出话来了。

☆ L7 《The Beauty Process:Triple Platinum》(1997/Slash)

L7是跟着美式非主流的热潮红起来的，与Hole、Babys In Toyland并称三大女子Punk/Grunge 乐队。美式的Punk音乐骨子里有散之不去的重金属痕迹，美式非主流中也有大半乐队有着重金属习性，L7虽然在唱腔上Punk得很，但是吉它音色却是不折不扣的金属风范。L7的这张新专辑没有以前那么快，却丝毫没有减轻重量，甚至更沉、更结实了，只是在旋律上的匮乏使整张唱片的可听性较以往相对减弱了。

看来，L7也在面临音乐更新的问题，如果想摆脱旧的音乐方向，过渡到新的领域，不是件容易事。当美式的非主流走向末路时，是彻底“朋化”成硬式Punk还是削弱锐气演变成流行金属，这大概是很多Grunge乐队都要考虑的。L7的方向倒是有意向纯粹的Punk靠拢，只不过需要点时间。

☆ Pregnant Men 《For All The Wrong Reasons》(1995/Plug)

这是一支来自香港的地下Punk乐队，四位成员都是在香港上学的英国男孩儿。不久前，他们曾经来北京在酒吧里进行了小型的演出。从音乐上认识他们更简单一些，是我们所熟知的硬Punk风格，有点象是Green Day加上 Bad Religion。奇怪他们这些来自英伦的家伙，音乐中十足的美国味儿：风一般的鼓击，铿锵急速的吉它，放肆不羁的唱腔。吉它手Dylan 和鼓手Zachary 是一对亲兄弟，组建这支乐队的同时，他们又在香港注册了属于他们自己的唱片制作公司：Plug，在相对简陋的条件下做出了这张充满激情的Lo-Fi 唱片，劲暴火辣，成员平均年龄不过二十一岁，可谓初生牛犊。

不久前Zachary 来信说他回英国读大学，Pregnant Men最近也要出新专辑了，也许过一段会再带着出炉的新唱片来北京。我希望他们还是那般勇往直前，也希望他们的中文能比上次进步一些。如果有兴趣，你可以发一个E-Mail给他们。

注：Plugmusc@Asiaonline.Net

☆ Mike Oldfield 《The Songs Of Earth》(1994/Wanner)

虽然Mike Oldfield近年有新专辑推出，但是我还是要拿出这张早在94年制作的唱片推荐给你们。

如果你喜欢90年的Enigma，又碰巧喜欢听Dire Straits的吉它，那么在这里你可以听到它们完美的结合。或许这样定义是不对的，但这实在是很形象。

Mike Oldfield 曾经为多部电影作过配乐，而且是一位感性的吉它高手。这张专辑相对他以往的作品，突破正在于大胆引进了先进的电子技术，用合成器的丰富音色替代了大乐队，同时请来了有着各种不同嗓音的歌手为他哼唱无歌词的人声部，最后还用了一段部落合唱的采样，而吉它不时重复着一个主题动机，鼓机传送着经过精心编排的节奏，听得爱煞人。

在天空中有一颗小行星是以Mike Oldfield 命名的，这或许是对音乐人成就的一种认可吧，但是听这张唱片的时候，你真的会怀疑Mike Oldfield 是在空中完成的这些美妙的音乐。

☆ 苍蝇 《The Fly >I》　(1997/Hardcore Pop)

这是北京又一支发表专辑的摇滚乐队。“苍蝇”成军四年以来，乐队成员几经变更，只有灵魂人物丰江舟一直苦苦支撑，终于熬到今天发表了首张专辑。在Party 上几次看过他们的演出，现在从唱片中仍旧能感觉他们那些野性原始的冲击力。

这不是一张商业唱片，没有惹人疼的情歌，没有可以听着起舞的节奏，只有嘈杂、扭曲、肮脏。精致的内页里印满了政治波普绘画、尖锐露骨的歌词和模糊不清的乐队集体照，这一切都在暗示着他们略有些形式主义的反叛。虽然不同的音乐媒体对他们有褒有贬，也以不同的角度对他们进行着分析和理解，或是用“Punk”这个不适合中国国情的名字来定义他们，但是我关注的是从这张唱片里能够获取多少信息。

低成本的制作保留了“苍蝇”的本色，歌词的乖张也容易让人忽视其内在的深刻。或许那正是他们想要的，神经兮兮的对一切看不贯，所以对生活表层的批判就显得有些隔靴骚痒。在音乐方面，他们没有给我们带来什么新鲜的创意，是从西方音乐中滋生的旁枝，两位日本乐手的表现流露出重金属的痕迹，丰江舟则躲在效果器后面自说自话。在听“苍蝇”的时候，不要在意那些乐评在说什么，他们有自己的私心，你的耳朵里应该只有他们的音乐，眼里只有那些古怪的绘画和歌词。无论你最终对其能否接受，《苍蝇》都是97年中国一张重要的摇滚乐作品。

☆ Howard Stern《Private Parts:The Album》(1997/Wanner)

如果你对Howard Stern这个名字很陌生，那并不奇怪。他即不是乐坛中的什么显赫人物，也不是因伟大的死亡而值得致敬的领袖，他不过是美国一家私人电台的Dj。但是所有在美国收听过他的音乐节目的人没有一个会轻易忘掉这个十足的下流胚，他粗俗的谈吐、低级的举止实在不是什么好榜样。可是，我们又不能不承认，他的音乐节目拥有一大批狂热的追随者，而其中缘由就是他与众不同的音乐品味。今年他终于在华纳旗下录制了这张取名为《Private Parts:The Album 》的唱片。不过你别以为这是一张成人笑话专辑，或是他自己的说唱杂耍，这里收录的都是不容错过的精彩歌曲。

White Zombie与我们这位混蛋主持合作了开场的一首劲力十足的Thrash Meatl，而随后的一首颇似“红辣椒”的硬式Rap 不知为什么隐去了主唱的名字，再看乐手名单，赫然就是“红辣椒”两个时期精英分子的班底。对于Porno For Pyros 出现在这张专辑里，我一点儿也不意外，他们的队名已经清楚地表明了他们的“性质”。刚刚得过大奖的MarilynManson紧跟其后，Ozzy与Type O Negative也合作了一首歌，而当红的朋克乐队Green Day 出人意料地翻唱了一首抒情老歌，乍一听实在难以置信。美国朋克先驱Ramones之后是老牌重金属的大部队：Deep Purple、Cheap Trick、Ted Nugent、Van Halen和Ac/Dc。在每首歌中间，我们那位“没文化”的主持人都贫嘴刮舌地说着各种鬼话，而且混录了一些“不堪入耳”的声音，难怪在美国他的节目只能在夜间播放。

这是一张轻松而带点诙谐的唱片，找来听听，摇滚乐并不都是板起面孔的。

☆ Love And Rockets 《Sweat F.A.》 (1996/American)

Love And Rockets做为哥特精英Bauhaus的延续，并没有继承那些至今还在时髦的怪诞和黑暗。他们在淡化了哥特情节之后的音乐风格曾经有些接近当时同样走红英国的JesusAnd Mary Chain：噪音吉它和憔悴的英国嗓音。可是在89年首张同名专辑之后，Love And Rockets一直没有什么太多的建树，Daniel Ash的个人专辑也反应平平，人们开始对这支乐队的未来担忧了。

94年Love And Rockets推出了签在独立厂牌American旗下之后的首张专辑《Hot Trip To Heaven》，冗长拖沓的音乐，赶时髦的电子节拍，虽然唱腔是一贯的懒散，但已无力挽回在音乐上的空洞了。那时我的兴致甚至转移到了曾经在Bauhaus担任主唱兼贝斯手的Peter Murphy身上。96年Love And Rockets推出新专辑《Sweat F.A.》时我都没有试听的欲望了。直到听说有关这张唱片录制期间曾遭遇一场火灾，而原本制作完成的母带和录音设备全部被焚毁了。而如今我们听到的是乐队在朋友们的资助下进棚重新录制的结果。我找来这张唱片，简单的封面设计似乎在告诉我们今天的Love And Rockets 已经变得简约起来。

果然《Sweat F.A.》又回到了他们89年时的感觉当中，在原先那冷漠乖张的基础上融入了一些电气元素，这大约是继承了在上一张专辑中探索的Trip-Hop成果。整张专辑洋溢着一种荡气回肠的感伤和一如继往的冷漠，优美的旋律，脆弱的英国嗓儿，让我重新倒在了他们的灰色情调里。

这是一个电子时代，Love And Rockets具备一切时髦的元素，而这张唱片却从容地简约起来。我听说，不久他们又会有新唱片推出，难以预测是时代会影响他们，还是他们会影响时代。

☆ Joe Satriani * Eric Johnson * Steve Vai《G3 Live In Concert》 (1997/Epic)

这张唱片是三位当今世界上最出色的吉它手联袂出席的现场音乐会实况，专辑名字有些奇怪──G3，大约是GuitarThree 的简写。这三位大师在近几年推出的专辑曾陆续被吉它杂志评为当年的最佳吉它唱片。Joe Satriani的《The Ex-Tremist》、Steve Vai的《Passion & Warfare》以及Eric Johnson《Ah Via Musicom》都是不可多得的吉它唱片。

在这场音乐会上他们各自演奏了三首曲子，当然都是来自各自唱片中的名曲，随后他们三位还合作演绎了三首前辈大师的作品：Jeff Beck的《Going Down》、Frank Zappa的《My Guitar Wants To Kill Your Mama》还有仙逝的吉它天才Jimmy Hendrix的《Red House》。

这是一张令人眩目的吉它音乐专辑，顶尖高手们同台比拼，才华和技巧交织成趣，在Cd上隐约印着“Answershow”，或许这才是这张现场的真正名称吧。在他们之中，S.V.曾是J.S.的得意门徒，但前者近年的表现大有青出于蓝的意思；而E.J.是八十年代末浮出水面的全能型吉它手，他的吉它风格含概了多种音乐的精髓，比起那师徒二人少了几分嚣张，多了几分内敛，但是从他们的个人唱片来听，E.J.就显得有些繁杂，而缺少激情了。

吉它出英才。在摇滚乐的不同领域都不断涌现着优秀的吉它手，有些是吉它杂志封面的当红明星，有些是技压群英的天才。有心人会发现，全世界每年都有新的吉它唱片出版，同时也有更多的名字被人们瞩目，但是97年我们没有理由忽视这张唱片，不仅为那三个响亮的名字，更为这吉它界难得一见的盛事。

☆ The Connells 《Ring》 (1993/TvT)

我怀疑The Connells是Tvt旗下唯一与电子无关的吉它流行乐队。Tvt 给我的印象一直充满了“电气”，旗下无数由高科技支持的电子组合，The Connells则算是个异类了。这支成军于八十年代初大学校园的乐队，曾经被《Q》杂志和当时正红的R.E.M. 做对比，其实两者无甚相似，不过都是清新动听罢了。

在《Ring》之前，他们推出过几张不太出名的唱片，从音乐到包装都显得稚嫩，直到这张专辑面市，单曲《74,75》和《New Boy》先后进入排行榜，乐队也由此获得前所未有的成功。只可惜辉煌过于短暂，他们后来推出的唱片又归于平庸了。93年的这张漂亮的唱片，如果你有机会找来听听，会明白我为什么如此心宠。这是一张充满着好心情的唱片，悠扬的旋律、甜美的歌声、在轻快的节奏间闪烁着情绪饱满的吉它演奏。从歌词上看，The Connells是由一群涉世不深的青年为热爱生活而组成乐队，他们孩子气憧憬未来，歌颂爱情，哪里象Tvt 旗下那些晦涩的电子工业噪音来得阴暗？

☆ Kmfdm 《Xtort》 (1996,Wax Trax!/TvT)

说风就是雨，我马上就翻出一张Tvt 旗下最较劲的德国乐队Kmfdm 的唱片来。这支乐队的名字很古怪，看起来象是某一句话的缩写，于是在他们走红之后，无数追随者开始根据自己的想象解释“这句话”。从网上查阅，你能得到几百种解释。德国电子音乐一直在世界乐坛有着显要的位置，几代宗师浸淫其中，对高科技音乐的探索贡献卓著。即使在电子领域，音乐依然以其丰富多彩的形式存在着：朋克、重金属、舞曲、民间音乐都在电子空间里找到了自己的位置。

Kmfdm 就成功地将速度金属嫁接到电子舞曲中，邪恶的唱腔，急风骤雨般的吉它，在机械的电子节奏里交织，虽说Kmfdm有一位外表很朋克的主唱，但是他更象是一个来自地狱的电子天才。96年的专辑《Xtort》集中表现Kmfdm的冷酷而愤怒，充斥着控诉与鞭挞。有意思的是开首曲《Power》没来由地混入了一段令人忍俊不紧的中国传统相声片断，或许Kmfdm想以此表现他们幽默的一面？

Kmfdm 是我听到过最出色的电子金属乐队，如果那些在八十年代成长起来的摇滚乐迷如今也在赶时髦地听电子乐，而又在心底有些重金属的遗毒会时而复发的话，找一张Kmfdm 的唱片，爽死你。

☆ Sarah 100 《There And Back Again》 (1995/Sarah)

这是英国一家名叫Sarah 的独立制作公司倒闭前推出的最后一张唱片，其中收入了旗下21支乐队的成名单曲。虽说这些不一定是他们最出色的作品，但是Sarah 的精魂所在已经全面展现给我们了。Sarah 旗下的音乐按今天的定义，应该属于Brit Pop，也正是他们倒闭之后这种音乐在英国成了新宠。在英国独立唱片厂牌里，Sarah 素以清新唯美、简约低调见称，从87年组建至95年解体，旗下推出过不少经典唱片，有意思的是这些唱片都很短，Sarah的老板说他不容许旗下唱片中有糟粕存在，宁缺勿滥。而这张合集却收录了七十多分钟的内容，想来都是挑来选去不忍割舍的精华。

展开厚厚的唱片内页，一篇长文介绍了Sarah 从组建至倒闭期间种种事由，更登载了这些地下乐队难得一见的照片。我曾在杂志上见过关于这张唱片的评论，醒目的标题是：本世纪最后一张唱片。我一直对媒体的泛美之辞不以为然，夸张更是宣传之手段，何况Sarah 是间极有性格的厂牌，旗下不但没有聘用宣传人员，更没有向乐评界媚俗过，所以凡欣赏Sarah 作品的无不真心倾倒，对其不屑的就从不提及，虽说唱片宣传是行业中的重要环节，但是Sarah 心高气傲，纵使倒闭，也未曾有一句媚俗的语言。

Sarah 解体是95年英国乐坛的大事，更有不少对Sarah心怡的乐评撰文以表惋惜，恐旗下众多精兵良将就此隐迹江湖，而Sarah 以往制作之唱片也重被评估。不过，时隔仅一年，Sarah 的老板又注册了一家名为“Shinkansen”的厂牌，表明是Sarah 的延续，这让心爱Sarah 的人们松了口气，虽然也有人猜测这次改组不过是商业行为，但是我还是为这个“新”厂牌高兴。也许正象老板Matt所说，新的厂牌会继承以往的优秀品质，而重要的是要通过改组滤去多年经营中的陈腐。

如今Sarah 已经随着这张唱片结束，我介绍她，不免也有些俗气的缅怀，毕竟Shinkansen不再是Sarah 了。

☆ 许巍 《在别处》(1997/Red Star)

被称做中国摇滚新希望的许巍，在蛰伏了这么久之后终于推出了他的个人专辑。听许巍要先忘记他是《执着》的作者，要记住他曾经的乐队“飞”。有关“新希望”之类的评价，其实是不重要的，我有理由认为那也是许巍所淡泊的。早期的许巍深受Grunge影响，Nirvana 曾经是他的心宠，但是在北京蛰居几年，这一信念似乎已经动摇了。他的制作人张亚东为他的音乐修去了原本粗糙的边幅，让许巍开始朝低调、冷静的感觉过渡。

许巍的歌很好听，尤其是那独特的启承转合，黯哑的嗓音、忧伤沉重的歌词更确立了他自己的风格。其中《我思念的城市》是最集中体现许巍音乐观念的作品。《在别处》并不是一张吵闹的专辑，张亚东尽可能地使所有的音色听起来不那么刺耳，许巍也将嗓音控制得收放自如。在中国摇滚乐并不那么景气的97年，许巍的《在别处》应该算是一张不错的作品，只可惜其中作品有太多雷同的动机和感受，许巍或许能在今后的作品中为我们带来新的声音。

☆ No Doubt 《Tragic Kingdom》(1995/BMG)

在电视里听到No Doubt的成功单曲《Don't Speak》是时候，以为是流行天后Madonna 组建了一支时髦的摇滚乐队。后来从各种传媒上得知了有关No Doubt的种种情况，才知道是风马牛的想象。

No Doubt出道多年，这已经是他们的第三张专辑了，如今却象是新人般地受到瞩目，都是因为那首在排行榜上成绩不凡的《Don't Speak 》给他们赢得了赞誉。他们的音乐是经过时髦包装的Pop Rock，在优美旋律下面是此起彼伏的音乐动机，乐队的编配颇具特色，而最吸引人的仍是主唱Gwen Stefani妖艳凄美的嗓音。

No Doubt的成功从某种意义上让我们注意到，无论你怎样地鼓吹另类、追赶潮流，或是标榜自己与众不同，最终被人们接受是还是要通过热门歌曲来吸引大家的注意力，就象你只听过一首《Don't Speak》根本无法想象在专辑里等待你的是多么不同的音乐。

Musik